La xilografía japonesa
Desde que descubrimos las xilografías japonesas, no hemos dejado de admirar su belleza, su sutileza, su historia y la extraordinaria sofisticación de su técnica. Estas estampas nos acercan a un mundo durante mucho tiempo inaccesible para Occidente y permiten comprender el intenso intercambio cultural que surgió tras la apertura de Japón al exterior en el siglo XIX: una relación que transformó profundamente tanto el arte japonés como las corrientes artísticas europeas de finales del siglo XIX.
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La xilografía japonesa: del ukiyo-e al shin-hanga
La estética de la xilografía japonesa continúa viva en la cultura visual contemporánea. Su huella puede reconocerse en ámbitos tan globales como el manga, el anime, la ilustración y el diseño gráfico. Te invitamos a conocer mejor sus orígenes, su evolución y las razones de la fascinación que estas imágenes siguen despertando.
El origen del ukiyo-e
La impresión xilográfica existe en Japón desde el siglo VIII, cuando se empleaba principalmente para reproducir textos, imágenes y amuletos vinculados al budismo. Sin embargo, fue durante el periodo Edo, entre 1603 y 1868, cuando alcanzó un desarrollo artístico, técnico y comercial sin precedentes.
La relativa estabilidad política establecida por el shogunato Tokugawa favoreció el crecimiento de una vigorosa cultura urbana en ciudades como Edo, la actual Tokio, Kioto y Osaka. Una nueva clase de comerciantes y artesanos urbanos, los chōnin, impulsó la demanda de productos culturales accesibles: libros ilustrados, guías de viaje, imágenes teatrales, retratos de celebridades y estampas destinadas a reflejar los placeres, modas y aspiraciones de la vida cotidiana.
En este contexto nació el ukiyo-e, expresión que suele traducirse como “imágenes del mundo flotante”. El término ukiyo había tenido inicialmente una connotación budista relacionada con la fugacidad y la impermanencia de la existencia. En la cultura urbana de Edo adquirió un sentido más mundano: el mundo efímero del entretenimiento, los barrios de placer, las casas de té, el teatro kabuki, las cortesanas célebres y las modas pasajeras.
Las primeras estampas fueron esencialmente monocromas, impresas en tinta negra y, en ocasiones, coloreadas a mano. A mediados del siglo XVIII se desarrolló progresivamente la impresión mediante varios bloques de color. Hacia 1765 se perfeccionó la técnica policroma conocida como nishiki-e, literalmente, “imagen de brocado”, basada en el uso de matrices independientes y cuidadosamente registradas para cada color. Esta innovación abrió una de las etapas más brillantes de la estampa japonesa.
El ukiyo-e alcanzó entonces una extraordinaria diversidad. Junto a las escenas de actores y cortesanas aparecieron paisajes, vistas célebres, flores y aves, guerreros, episodios literarios e históricos, luchadores de sumo, escenas de viaje y acontecimientos contemporáneos. Su edad de oro se extendió desde finales del siglo XVIII hasta la segunda mitad del XIX, atravesando el final del periodo Edo y los primeros años de la era Meiji.
La llegada a Europa
La Restauración Meiji de 1868 puso fin al orden político del shogunato y aceleró la apertura de Japón a los intercambios internacionales. A partir de la década de 1850, y de manera creciente desde los años sesenta, comenzaron a llegar a Europa cerámicas, lacas, abanicos, tejidos, armas, objetos de uso cotidiano y estampas japonesas.
Durante mucho tiempo se repitió la idea de que las xilografías llegaron a Occidente como simples envoltorios de mercancías, especialmente de cerámicas. Aunque algunas estampas sí pudieron circular de ese modo, conviene no convertirlo en una explicación única: también fueron importadas, comercializadas y coleccionadas conscientemente por marchantes, artistas y aficionados desde fechas tempranas.
París se convirtió en el principal centro europeo de recepción. Las Exposiciones Universales, las tiendas especializadas, los coleccionistas y los círculos artísticos hicieron de las estampas japonesas una fuente de estudio y admiración. El crítico francés Philippe Burty acuñó en 1872 el término japonismo para designar la fascinación occidental por el arte y la cultura japoneses.
Artistas como Claude Monet, Edgar Degas, Vincent van Gogh, James McNeill Whistler y Henri de Toulouse-Lautrec encontraron en el ukiyo-e una alternativa a las convenciones académicas europeas. Les interesaron sus encuadres audaces, las figuras parcialmente cortadas por el borde, las composiciones asimétricas, las perspectivas elevadas, los contornos nítidos, el color aplicado por planos y la capacidad de transformar asuntos cotidianos en imágenes de gran fuerza formal.
La influencia japonesa fue decisiva para el impresionismo, el postimpresionismo, el cartel moderno, el esteticismo británico y el Art Nouveau. Más que un repertorio de motivos exóticos, el japonismo ofreció una nueva manera de pensar la imagen: como una superficie organizada mediante línea, color, vacío, ritmo y síntesis.
Del ukiyo-e al shin-hanga
La llegada de la fotografía, la litografía y otras formas de reproducción gráfica durante la era Meiji redujo progresivamente el papel comercial que la xilografía había ocupado en el Japón de Edo. La demanda interna de estampas tradicionales disminuyó, mientras los artistas y talleres tuvieron que adaptarse a una sociedad rápidamente modernizada.
Con el cambio de siglo surgió el movimiento shin-hanga, traducido como “nuevas estampas”. Este movimiento recuperó la excelencia técnica del sistema tradicional de producción colectiva —editor, diseñador, tallista e impresor—, pero incorporó una sensibilidad moderna: nuevos efectos de luz, atmósferas cambiantes, sombras más complejas y una mirada influida, en parte, por el impresionismo y por la fotografía.
Se produjo así un interesante movimiento de ida y vuelta. Las estampas japonesas habían influido profundamente en los artistas europeos de finales del XIX; décadas más tarde, algunos autores japoneses del shin-hanga asimilaron ciertos recursos de la pintura occidental moderna y los integraron en la tradición de la xilografía japonesa.
El editor Watanabe Shōzaburō (1885–1962) fue una figura decisiva en este renacimiento. En 1915 acuñó el término shin-hanga y promovió una producción dirigida tanto al mercado japonés como a los coleccionistas internacionales. El movimiento tuvo su principal periodo de desarrollo entre aproximadamente 1915 y 1942 y continuó, a menor escala, después de la Segunda Guerra Mundial.
Los paisajes de Hasui Kawase, las composiciones de Tsuchiya Kōitsu, las escenas urbanas y paisajísticas de Shiro Kasamatsu, los diseños de Hiroshi Yoshida o los interiores y retratos de Itō Shinsui muestran hasta qué punto la tradición podía renovarse sin perder la precisión, la delicadeza y el refinamiento técnico del grabado japonés clásico.
Qué hace única la xilografía japonesa
La palabra “grabado” puede resultar engañosa si se aplica sin matices a tradiciones tan diferentes como la europea y la japonesa. En Europa, buena parte de la obra gráfica se ha producido históricamente mediante procedimientos calcográficos, como buril, aguafuerte o punta seca, o mediante litografía, técnicas que suelen utilizar una prensa para transferir la imagen al papel.
La xilografía japonesa, en cambio, se imprime manualmente. El papel se coloca sobre un bloque de madera tallado en relieve para cada color y el impresor frota su reverso con una herramienta llamada baren. No se trata simplemente de una alternativa artesanal a la prensa: el control manual permite modular la presión, aplicar capas transparentes de pigmento y obtener efectos de gran sutileza.
Gracias a este procedimiento pueden lograrse degradados de color, conocidos como bokashi, transparencias, veladuras y variaciones tonales de apariencia acuarelada. La precisión del registro entre los diversos bloques permite además superponer colores con una limpieza extraordinaria.
En japonés, esta técnica recibe el nombre de mokuhanga, “estampa o impresión a partir de bloques de madera”. Es el procedimiento que sustenta las célebres estampas ukiyo-e del periodo Edo, las “nuevas estampas” shin-hanga de comienzos del siglo XX y la obra de numerosos grabadores contemporáneos que continúan tallando e imprimiendo sus matrices manualmente.
Un trabajo de colaboración
En la tradición japonesa clásica, una estampa no solía ser obra de una única mano. Su realización se repartía estrechamente entre especialistas de altísima cualificación: El editor financiaba el proyecto, decidía el formato, el número de colores y la tirada, contrataba a los artesanos y se ocupaba de la comercialización. El artista o diseñador realizaba el dibujo original y definía la composición. El tallista trasladaba el dibujo a los bloques de madera y tallaba las matrices necesarias, normalmente una para el contorno y otras para los distintos colores. El impresor entintaba e imprimía cada hoja a mano, controlando el registro, las mezclas cromáticas, las transparencias y la intensidad de cada pasada.
Este reparto de tareas explica el elevado grado de perfección alcanzado por la xilografía japonesa. Cada profesional podía dedicar toda una vida a dominar una fase concreta del proceso. El resultado fue un sistema capaz de producir imágenes bellas, técnicamente complejas y relativamente asequibles, destinadas a una circulación amplia.
Una tradición todavía viva
La historia de la xilografía japonesa no termina con Hokusai, Hiroshige o Hasui. La técnica mokuhanga continúa practicándose en Japón y fuera de él por artistas contemporáneos, talleres especializados y editores que mantienen viva una forma de impresión basada en la colaboración, el conocimiento del papel, la madera, el pigmento y la impresión manual.
Para el coleccionista, estas obras reúnen valores muy distintos: son imágenes de enorme belleza, testimonios de la cultura urbana japonesa, ejemplos de una técnica excepcional y documentos esenciales para entender el nacimiento del arte moderno europeo.
Fuentes y recursos consultados:
• Art & History Museum, Bruselas, “Shin hanga”, 2025.
• British Museum, “Hiroshige: Artist of the Open Road”, 2025.
• British Museum, “Akagaki Genzo Shigekata, One of the Forty-Seven Ronin”, ficha de colección.
• Metropolitan Museum of Art, “Woodblock Prints in the Ukiyo-e Style”, Heilbrunn Timeline of Art History.
• Metropolitan Museum of Art, “Japonisme”, Heilbrunn Timeline of Art History.
• Museum of Art and History, Bruselas, “Shin Hanga: The Delicacy of Japanese Prints”, 2023.
• Museum of New Zealand Te Papa Tongarewa, “Shin-hanga: Japan’s ‘New Print’ Movement”.
• National Gallery of Victoria, “Japanese Woodblock Prints: A Mass Medium”, 2014.
• National Gallery of Victoria, “A Radical Style”.
• SieboldHuis, “Ogata Gekkō and His Contemporaries”.
• University of Oregon, Jordan Schnitzer Museum of Art, “*Watanabe Shōzaburō (Publisher) (1885–1962)”, 2020.
• Victoria and Albert Museum, “Japanese Woodblock Prints”, 2024.